Sergio Corazzini

La parabola esistenziale e letteraria di Sergio Corazzini costituisce un punto di rottura fondamentale all’interno della letteratura italiana di inizio secolo. La sua figura si staglia in netta contrapposizione rispetto all’estetica trionfante del periodo, dominata dall’esaltazione superomistica e dall’eloquenza celebrativa. Lo scrittore romano compie un’operazione di svuotamento radicale della figura dell’intellettuale, rifiutando esplicitamente la corona d’alloro del vate per assumere le sembianze di un individuo fragile, inetto e votato alla sofferenza. Questa rinuncia consapevole non rappresenta un atteggiamento vittimistico, ma una lucida diagnosi dell’inadeguatezza della poesia tradizionale di fronte alla modernità borghese.

Attraverso i suoi versi, Sergio Corazzini codifica l’archetipo del fanciullo che piange, una maschera autoriale che demistifica il ruolo pubblico dello scrittore. La sua poesia si ritrae dagli spazi aperti e dalle piazze per rintanarsi nei corridoi degli ospedali, nei giardini chiusi e nelle stanze malinconiche della provincia. Il linguaggio adotta un registro dimesso, colloquiale e prosastico, segnando la nascita ufficiale di quella sensibilità che la critica letteraria avrebbe in seguito definito crepuscolarismo. Il suo rifiuto di fregiarsi del titolo di poeta diviene il manifesto di un’intera generazione priva di certezze morali da proclamare al mondo.

L’incidenza della sua opera appare ancor più drammatica se si considera l’estrema brevità del suo arco vitale, interrotto dalla tubercolosi all’età di ventuno anni. La malattia non fu per Sergio Corazzini soltanto un dato clinico e biografico, ma si trasformò nello strumento gnoseologico attraverso il quale interpretare l’intera esistenza. Il morbo fisico assunse le proporzioni di una metafora di esaurimento spirituale collettivo, la spia di una crisi di valori che svuotava l’arte di ogni finalità civile o pedagogica. La sua produzione, concentrata in un arco temporale di appena tre anni, rappresenta un condensato di altissima densità emotiva e formale.

L’eredità letteraria di Sergio Corazzini lavorò in modo sotterraneo ma inesorabile sul tessuto della poesia italiana successiva. Sottraendo la lirica al dominio della retorica e riconducendola al grado zero della comunicazione, egli preparò il terreno per le sperimentazioni del ventesimo secolo. La rinuncia all’enfasi formale, la destrutturazione della metrica e l’attenzione per gli oggetti inessenziali della quotidianità fornirono il vocabolario di base per quegli autori che, nei decenni successivi, avrebbero cercato una voce autentica tra le macerie del sistema valoriale ottocentesco.

Il tracollo finanziario della famiglia

Sergio Corazzini nacque il 6 febbraio 1886 a Roma, all’interno di un nucleo familiare appartenente alla borghesia commerciale della capitale. Il padre, Enrico Corazzini, gestiva alcune redditizie attività legate al commercio che garantirono al figlio un’infanzia serena e priva di urgenze materiali. La famiglia risiedeva originariamente in un appartamento confortevole, un indirizzo che rifletteva la solida posizione sociale raggiunta. Il giovane ricevette un’istruzione iniziale di buon livello presso istituti religiosi romani, mostrando una precoce inclinazione per la lettura e per l’osservazione silenziosa delle dinamiche domestiche.

Questa condizione di stabilità venne bruscamente interrotta a causa di una serie di operazioni economiche disastrose intraprese dal genitore. Le speculazioni azzardate sui mercati finanziari da parte di Enrico Corazzini condussero l’intero nucleo familiare alla bancarotta, spazzando via il patrimonio accumulato e imponendo un declassamento sociale inarrestabile. Il trasferimento in un’abitazione modesta situata in via dei Magalotti segnò il passaggio dalla sicurezza economica alla più stretta precarietà. Questo trauma finanziario si impresse a fondo nella psiche del giovane, generando un senso cronico di privazione che avrebbe nutrito l’immaginario desolato dei suoi versi.

Il collasso economico impose a Sergio Corazzini l’interruzione dei percorsi di studio regolari e la necessità di contribuire materialmente al sostentamento domestico. Ancora adolescente, venne assunto come impiegato presso una compagnia di assicurazioni romana, ricoprendo un incarico ripetitivo e logorante. L’ingresso prematuro nel mondo del lavoro burocratico rappresentò per lui una mortificazione quotidiana, acuita dal contrasto tra la miseria del presente e il ricordo dell’agiatezza passata. Le ore trascorse curvo sui registri contabili aggravarono una costituzione fisica debole, favorendo l’insorgere dei primi sintomi della tubercolosi.

Il quadro familiare fu ulteriormente compromesso dalle patologie che colpirono gli altri membri della casa. Oltre al proprio progressivo deperimento fisico, Sergio Corazzini dovette assistere al calvario clinico del fratello Gualtiero Corazzini, anch’egli minato dalla tisi, e al deperimento psicologico della madre, costretta ad assistere impotente alla disgregazione della propria famiglia. L’ambiente domestico si trasformò in un microcosmo di dolore silenzioso dove la presenza costante della malattia annullava ogni prospettiva di riscatto, fornendo il materiale grezzo per l’estetica della rassegnazione che avrebbe caratterizzato la sua produzione.

La Roma umbertina e giolittiana

Il contesto urbano in cui prese forma la vocazione letteraria di Sergio Corazzini era quello di una Roma in piena fase di transizione tra l’età umbertina e l’inizio dell’epoca giolittiana. La città, diventata da pochi decenni capitale del Regno d’Italia, stava subendo un massiccio processo di espansione edilizia, che ne alterava l’antico assetto per fare spazio ai nuovi poli ministeriali e ai quartieri della borghesia impiegatizia. Questa trasformazione urbanistica generava un paesaggio fatto di contrasti, dove le rovine si mescolavano ai cantieri e alla precarietà dei rioni popolari, creando un’atmosfera di decadenza e di malinconia diffusa.

A livello culturale, l’ambiente letterario romano risultava egemonizzato dalle figure dominanti dell’establishment nazionale. I salotti mondani e le accademie celebravano la retorica classicheggiante, trovando il proprio punto di riferimento imprescindibile nell’estetica di Gabriele d’Annunzio. Il modello dannunziano, fatto di sensualità prorompente, di preziosismo linguistico e di vitalismo eroico, dettava le regole del gusto ufficiale. Chiunque volesse emergere nel panorama letterario della capitale era tenuto a confrontarsi con questo paradigma, adottandone i ritmi solenni per cantare i miti della nazione e dell’arte.

Esisteva parallelamente un tessuto culturale sotterraneo, distante dalle logiche dell’ufficialità, che si sviluppava all’interno dei caffè del centro storico e nelle redazioni delle piccole riviste indipendenti. In questi luoghi di ritrovo, giovani intellettuali e poeti marginali si riunivano per discutere delle nuove correnti simboliste provenienti dalla Francia e dal Belgio. Si trattava di una generazione che non si riconosceva nell’ottimismo di facciata della classe dirigente giolittiana e che percepiva la nascente società borghese come un meccanismo alienante, incapace di accogliere l’autenticità dei rapporti umani.

In questo sottomondo letterario, Sergio Corazzini trovò il proprio naturale bacino di aggregazione. Egli evitò accuratamente i palcoscenici del successo borghese per inserirsi in questi consessi indipendenti, dove la fragilità condivisa diventava un vincolo di fratellanza. I caffè romani funsero per lui da redazione e da rifugio, fornendogli la sponda per sviluppare la sua opposizione radicale al modello superomistico. In questa Roma umbratile, lontana dai fasti dei palazzi del potere, lo scrittore elaborò la propria poetica dell’inadeguatezza, trasformando la marginalità in un programma estetico e programmatico.

I primi versi e il dialetto

I tentativi iniziali di Sergio Corazzini nel campo della poesia si manifestarono attraverso un impiego sistematico e consapevole del dialetto romanesco. L’adozione della parlata locale non rappresentava una semplice concessione folcloristica, ma un tentativo di agganciare la lingua viva dei vicoli di Roma, lontano dai formalismi accademici dell’italiano letterario. Attraverso l’idioma vernacolare, egli riuscì a tratteggiare bozzetti crudi della vita cittadina, descrivendo la miseria dei rioni, i piccoli drammi quotidiani e le dinamiche marginali, con un tono spesso venato di amara ironia e di scetticismo popolare.

Il passaggio dalla produzione dialettale a quella in lingua italiana coincise con un processo di affinamento della sua sensibilità e con l’esigenza di trovare uno strumento espressivo capace di sostenere scavi psicologici più profondi. Il distacco dal romanesco non fu netto né accompagnato da ripudi clamorosi, ma avvenne per uno slittamento naturale verso un lessico che, pur rimanendo ancorato alla quotidianità, si dilatava fino ad accogliere le influenze del simbolismo franco-belga. Da questo trapianto linguistico nacque il suo caratteristico timbro dimesso: un italiano volutamente piatto, scarno e antieroico, calibrato per raccontare non più i tipi umani della strada, ma il deserto interiore dell’autore stesso.

Le influenze degli scrittori stranieri che circolavano nelle riviste indipendenti furono determinanti in questa fase di transizione. La lettura di poeti come Jules Laforgue e Francis Jammes fornì a Sergio Corazzini il modello di una poesia spogliata di ogni impalcatura epica e concentrata sugli oggetti minuti, sulle atmosfere crepuscolari e sui sentimenti malinconici. Questa assimilazione non si tradusse in una banale imitazione, ma nell’invenzione di un codice originale in cui la tristezza esistenziale veniva sussurrata con le parole più comuni e usurabili, svuotate deliberatamente di qualsiasi risonanza declamatoria.

La convergenza tra il lessico dell’impiegato e le tematiche dell’isolamento generò un vocabolario poetico inedito per la letteratura della penisola. Sergio Corazzini popolò i propri versi di ospedali provinciali, di organetti di Barberia, di domeniche noiose e di convalescenze senza fine. Gli spazi cantati non erano le vaste pianure o le cime tempestose del romanticismo, ma le stanze chiuse, i chiostri umidi e i giardini in abbandono. Attraverso questo ridimensionamento lessicale e spaziale, egli gettava le basi per smantellare dall’interno l’intero apparato della poesia patriottica e vitalistica del primo Novecento.

I caffè letterari e le stampe indipendenti

L’impossibilità di accedere ai canali editoriali ufficiali, dominati dalle case editrici compiacenti verso il gusto dominante, costrinse Sergio Corazzini a organizzare la diffusione della propria opera attraverso reti clandestine e stampe autoprodotte. Il quartier generale di queste operazioni divenne il Caffè Sartoris, un locale romano dove si raccoglieva una congregazione eterogenea di scrittori emergenti, critici squattrinati e poeti dialettali. Questo ambiente funse da vera e propria cassa di risonanza per i suoi versi, permettendogli di testare la presa della sua poesia su un uditorio composto da sodali che condividevano il medesimo senso di estraneità nei confronti del mondo borghese.

All’interno di questo gruppo gravitavano figure che avrebbero animato la scena del crepuscolarismo e delle avanguardie romane, come Corrado Govoni e Alberto Tarchiani. Le discussioni ai tavolini si traducevano in concrete iniziative editoriali, finanziate in proprio o appoggiandosi a tipografie minori. Questo meccanismo di auto-pubblicazione garantiva agli autori una totale autonomia dai dettami del mercato, consentendo a Sergio Corazzini di stampare fascicoli composti da poche pagine e distribuiti in tirature limitatissime, destinati più alla cerchia degli amici intimi che al grande pubblico delle librerie nazionali.

Il primo risultato tangibile di questo sforzo organizzativo si concretizzò nel 1904 con la stampa del volumetto Dolcezze. L’opera, pur recando ancora tracce evidenti delle sue letture scolastiche e dei modelli letterari allora in voga, presentava già i segni inequivocabili della sua estetica dell’abbandono. L’esilità del formato editoriale si accompagnava all’esilità tematica: un susseguirsi di composizioni incentrate sul senso di stanchezza, sulla malattia incombente e su una religiosità priva di slanci dogmatici, orientata verso la ricerca di conforto per anime fragili. Questa e le successive pubblicazioni clandestine fissarono i parametri di una strategia editoriale basata sulla sottrazione e sulla marginalità volontaria.

La stampa del Piccolo libro inutile

La definizione esatta del perimetro autoriale di Sergio Corazzini prese forma materiale nel maggio 1906, quando decise di dare alle stampe una modesta raccolta intitolata Piccolo libro inutile. Il volumetto, la cui impaginazione era ridotta all’essenziale e la tiratura misurata sul centinaio di esemplari, conteneva l’essenza clinica e spirituale del suo intero tragitto poetico. Il titolo stesso operava come una dichiarazione di intenti radicale: affermare l’inutilità del proprio lavoro letterario significava dichiarare la morte della poesia intesa come strumento in grado di modificare o redimere la realtà circostante. L’aggettivazione sminuente distruggeva sul nascere ogni pretesa di autorevolezza magisteriale.

La veste editoriale precaria costituiva il contenitore perfetto per le liriche che vi erano racchiuse. I testi abbandonavano definitivamente gli ultimi residui di imitazione per concentrarsi su una diagnosi fredda e analitica del proprio esaurimento vitale. L’autore metteva a referto la progressiva disgregazione del proprio corpo causata dalla tisi e l’incapacità di adattarsi alle dinamiche dell’esistenza adulta. In queste composizioni non c’è spazio per la rabbia ribelle tipica della bohème maledetta parigina, ma solo l’accettazione passiva di un destino di consunzione, narrata con una lucidità rassegnata che sconcertò i critici letterari abituati all’energia dei proclami avanguardisti.

Il volumetto, nonostante l’irrilevante impatto iniziale in termini di vendite e di attenzione pubblica, divenne un oggetto di culto all’interno dei circoli letterari alternativi della penisola italiana. Le copie circolarono di mano in mano, raggiungendo gli intellettuali che avrebbero in seguito consolidato l’impalcatura teorica del movimento crepuscolare. La debolezza esibita senza alcun pudore da Sergio Corazzini colpì i lettori per la sua nuda onestà, offrendo la grammatica per esprimere lo smarrimento di una generazione che sentiva di non aver più nulla da chiedere alla storia e alle istituzioni.

Il manifesto della Desolazione

Il fulcro ideologico e stilistico del fascicolo Piccolo libro inutile è rappresentato dalla poesia intitolata Desolazione del povero poeta sentimentale. Il componimento si apre con una dichiarazione di rinuncia assoluta, formulata attraverso la ripetizione ossessiva dell’incipit che nega all’autore lo status di letterato: “Perché tu mi dici: poeta? Io non sono un poeta”. L’intera impalcatura del verso è progettata per demolire il piedistallo su cui sedevano gli autori ottocenteschi. Sergio Corazzini non si limita a rifiutare la corona poetica, ma identifica sé stesso con “un piccolo fanciullo che piange”, codificando così la maschera dell’impotenza che segnerà definitivamente la sua poetica e quella dei suoi epigoni.

Il testo procede attraverso uno smantellamento chirurgico della terminologia legata al mondo intellettuale. Lo scrittore elenca gli stati d’animo, non come slanci creativi o tormenti romantici, ma come mere sintomatologie di un organismo difettoso. La poesia non è il prodotto dell’ispirazione divina o della furia creatrice, ma il rigurgito di una sofferenza muta, un tentativo infantile di cercare conforto nel vuoto delle convenzioni sociali. La figura del poeta è ridotta a quella di un mendicante d’affetto, esiliato dalle piazze e confinato ai margini della vita pratica e attiva. Questa rinuncia a qualsiasi mandato profetico si configura come l’atto di ribellione più radicale possibile nei confronti del mito dell’efficienza borghese.

La struttura formale della Desolazione del povero poeta sentimentale asseconda in modo chirurgico la tematica affrontata. Il componimento fa saltare l’impalcatura prosodica della metrica tradizionale, utilizzando versi liberi e slegati tra loro, simili alle righe di un referto ospedaliero o di una lettera di scuse. L’impiego martellante dell’anafora e il tono declinante costruiscono una litania prosastica in cui la rima è rarissima e priva di squilli musicali. Questa architettura cadente mima la consunzione fisica dell’autore e trasforma la composizione nel primo e più perfetto esempio di poesia antilirica della modernità italiana.

La retorica della malattia

L’elemento centrale che struttura l’intera produzione di Sergio Corazzini è la fusione inestricabile tra il dato clinico oggettivo e la sua sublimazione in cifra stilistica. La tubercolosi non agisce nei suoi versi semplicemente come un argomento di narrazione biografica, ma si configura come la lente ottica primaria attraverso cui leggere la realtà circostante. Il morbo diventa la condizione esistenziale indispensabile per smascherare l’insensatezza della frenesia vitale del nascente Ventesimo secolo. L’autore utilizza la sintomatologia della tisi per costruire un’architettura poetica in cui la debolezza polmonare corrisponde millimetricamente al collasso dell’apparato valoriale della letteratura tradizionale.

Il percorso clinico dello scrittore si riflette nella scelta di un vocabolario specifico, popolato da termini desunti dal campo semantico medico e ospedaliero. Nelle liriche compaiono corsie d’ospedale, fleboclisi, febbri pomeridiane, emottisi e convalescenze estenuanti che non portano mai a una reale guarigione. Questa esibizione chirurgica della malattia elimina ogni residuo di sublimazione romantica del dolore. Il male non raffina lo spirito e non innalza il poeta verso verità metafisiche superiori, ma lo consuma in un processo di lento e inesorabile deperimento organico. La poesia diventa quindi un resoconto asettico di questo disfacimento cellulare.

L’identificazione con il “piccolo fanciullo che piange” si innesta esattamente su questa debilitazione fisica. Incapace di prendere parte alle dinamiche produttive ed economiche del mondo borghese a causa della malattia, Sergio Corazzini teorizza una regressione consapevole allo stato infantile. Il fanciullo dei suoi versi non è l’entità pura e incontaminata teorizzata dal tardo romanticismo, ma un individuo mutilato, incapace di comunicare con gli adulti sani. L’infanzia diventa così l’unico rifugio concettuale possibile per chi è stato condannato a morire prima di poter assumere un ruolo attivo nella società e nella storia del proprio tempo.

La destrutturazione metrica

Il rifiuto della retorica dominante si traduce nell’opera di Sergio Corazzini in una sistematica opera di destrutturazione delle rigide architetture metriche della tradizione lirica italiana. L’impossibilità di intonare canti eroici o inni celebrativi rende inservibili le forme chiuse come il sonetto, l’ode e la canzone petrarchesca. Per ospitare la propria disperazione sommessa, l’autore fa ricorso al verso libero, sganciando la lunghezza delle singole linee dalla rigida conta sillabica e slegandole dal vincolo obbligatorio della rima. Questa libertà metrica non risponde a intenti di sperimentazione puramente formale, ma all’esigenza di far coincidere l’esilità del verso con l’esilità del respiro polmonare.

Il modulo ritmico che caratterizza in modo inequivocabile i suoi componimenti è l’utilizzo ossessivo dell’anafora. Ripetendo costantemente la stessa parola o locuzione all’inizio di versi consecutivi, lo scrittore genera un andamento litanico simile a quello di una preghiera o di un elenco senza gerarchie di importanza. Questa tecnica annulla la tensione drammatica e narrativa della poesia, appiattendo il testo in una reiterazione cantilenante che mima la noia e la monotonia dei pomeriggi trascorsi in solitudine. L’anafora diventa lo strumento prosodico perfetto per esprimere un’immobilità psicologica che non prevede sbocchi risolutivi.

Il registro stilistico impiegato è deliberatamente prosastico, abbassato a un livello vicino a quello della comunicazione interpersonale quotidiana. Sergio Corazzini non eleva il proprio linguaggio, ma inserisce nel testo poetico gli intercalari tipici della conversazione dimessa. Abbondano i punti interrogativi, le pause di sospensione e le frasi lasciate a metà, che riproducono fedelmente l’incertezza e la balbuzie emotiva di chi non possiede più dogmi da proclamare. Questa colloquialità apparente, fondata su un controllo assoluto degli sbalzi tonali, segna l’ingresso del lessico ordinario nella storia della lirica moderna italiana, aprendo la via alle sperimentazioni novecentesche.

Il progredire della tisi

L’aggravarsi del quadro clinico della tubercolosi costrinse Sergio Corazzini ad abbandonare progressivamente ogni parvenza di normalità lavorativa e sociale. A partire dal 1906, il rapido deterioramento delle funzioni respiratorie lo obbligò a licenziarsi dall’impiego amministrativo presso la compagnia di assicurazioni, rinunciando alla fonte di reddito vitale per il nucleo familiare già provato dai disastri finanziari paterni. La malattia, superata la fase latente, si manifestò con episodi sempre più frequenti di emottisi e febbre alta, imprigionando il poeta tra le pareti della modesta abitazione di Roma e costringendolo a lunghe e logoranti degenze a letto.

L’incedere inesorabile del morbo polmonare spinse la famiglia e la ristretta cerchia di amici e letterati a tentare ogni risorsa disponibile per arginare il declino fisico dello scrittore. Nell’ottobre 1906, nel disperato tentativo di offrirgli un clima più salubre e cure mediche mirate, venne organizzato il suo trasferimento presso il sanatorio della cittadina laziale di Nettuno. Il periodo trascorso nella struttura sanitaria non produsse i risultati terapeutici sperati; al contrario, il confino ospedaliero acuì il suo senso di estraniazione. L’isolamento forzato, pur fornendo ulteriore materiale per la sua indagine poetica sul dolore, certificò l’impossibilità di un ritorno alla vita attiva, trasformando il soggiorno in una lunga anticamera della fine.

Le lettere e le frammentarie annotazioni prodotte durante la degenza a Nettuno testimoniano la spaventosa lucidità con cui Sergio Corazzini documentava l’erosione del proprio corpo. Nei testi di questo periodo, scompare ogni speranza di guarigione, sostituita dalla fredda constatazione della vicinanza della morte. La consapevolezza della propria imminente scomparsa non sfociò mai in invettive di stampo titanico contro il destino; al contrario, venne accettata con la rassegnazione stanca di chi percepiva l’atto del morire come la naturale e inevitabile conclusione di un’esistenza ininterrottamente difettosa e inadatta.

L’epilogo romano

I medici curanti, constatando il fallimento delle terapie sanatoriali e il rapido collasso dei tessuti polmonari, autorizzarono il rientro dello scrittore nella capitale. Sergio Corazzini fu riportato nella dimora familiare situata in via dei Magalotti, per trascorrervi gli ultimi giorni. La stanza del malato divenne il fulcro in cui si concentrarono le attenzioni materne e le visite di quel nucleo di compagni e intellettuali romani che ne avevano condiviso la marginalità letteraria e sostenuto gli sforzi editoriali clandestini. Questo circolo intimo si occupò di assisterlo e di conservare i materiali manoscritti per impedirne la dispersione.

Il calvario si protrasse in un progressivo svuotamento delle funzioni vitali, documentato e vissuto con una pietà sommessa che non lasciava spazio ad accenti patetici estranei alla sua stessa produzione lirica. Il morbo esaurì le sue ultime difese nelle prime settimane di giugno, provocando gravi crisi respiratorie. L’agonia procedette in modo implacabile all’interno della stanza da letto, sigillando la fine del brevissimo tragitto vitale dell’autore.

Il 17 giugno 1907, all’età di ventuno anni, Sergio Corazzini si spense a Roma. La scomparsa del giovane passò sostanzialmente inosservata ai vertici del sistema culturale accademico dell’epoca, impegnato a incensare i vati ufficiali. Le esequie si svolsero in forma privata, accompagnate soltanto da un esiguo gruppo di parenti e amici fedeli, in perfetta e dolorosa coerenza con il profilo in ombra che lo scrittore aveva deliberatamente scelto per sé e per i suoi versi. Il suo corpo venne sepolto nel cimitero monumentale del Verano, dove la sobria epigrafe ne ricorda l’identità dimessa.

La risonanza nel Novecento

La ristampa e la sistematizzazione organica dell’opera di Sergio Corazzini avvennero solo negli anni successivi al suo decesso, grazie all’impegno filologico degli amici romani che ne promossero la memoria. Il suo impatto critico si rivelò retroattivo ma incalcolabile: il volumetto clandestino e i pochi quaderni editi a proprie spese si trasformarono nel testo sacro della corrente letteraria del crepuscolarismo. La critica ufficiale della prima metà del Novecento iniziò a riconoscere in lui non un semplice epigono provinciale del simbolismo d’oltralpe, ma l’ideatore autonomo di una sensibilità che aveva seppellito la retorica dell’Italia giolittiana.

L’influenza del “piccolo fanciullo che piange” si estese ben oltre i confini del proprio tempo letterario. La radicale destrutturazione dell’autorità poetica e il recupero del registro colloquiale da lui teorizzati fornirono lo strumentario basilare a poeti del calibro di Guido Gozzano, Marino Moretti e persino al giovane Eugenio Montale. Essi trovarono nella rassegnazione “corazziniana” la grammatica esatta per descrivere l’incertezza esistenziale del loro tempo storico. Il rifiuto di professare verità assolute divenne la pietra angolare su cui si edificò l’intera impalcatura della lirica italiana contemporanea.

Attualmente, l’opera di Sergio Corazzini è al centro di una rivalutazione filologica rigorosa che ne esalta la lucidità chirurgica e l’assoluta precisione del verso libero. L’autore non viene più considerato esclusivamente sotto la lente pietosa del poeta logorato dalla tisi, ma come il primo, autentico sovvertitore delle strutture formali ottocentesche. La sua capacità di trasformare la propria morte fisica nel momento esatto della nascita della poesia moderna lo colloca di diritto tra i protagonisti centrali dell’avanguardia italiana del Ventesimo secolo.